lunes, 31 de julio de 2017

Blau Grisenc, crecer en sintonía.

Todos somos parte de un contexto, es imposible hablar de música (o cualquier otro tipo de expresión artística) sin analizar el contexto histórico y geográfico como partes importantes de la configuración de una persona. Es por esto que en ciertos lugares se han dado situaciones que han permitido la proliferación de expresiones particulares que en otros lugares son poco comunes; el caso de Costa Rica con la música experimental y electrónica si bien no es el mas conocido es uno de los mejores ejemplos. En Costa Rica se ha generado una historia lo suficientemente importante alrededor de estos sonidos que ha permitido no solo que haya músicos con una trayectoria importante sino que nuevos personajes se animen a inscribirse en esas corrientes. Aunque parezca algo simple esto es vital para que una generación continué la obra comunitaria de otra. Carla Alfaro estaría en ese punto especifico, con apenas un año haciendo música ya ha lanzado dos trabajos bajo su alias "Blau Grisenc" que han recibido muy buenas criticas. Su primera composición apareció en el ya clásico  compilado "Feminoise Latinoamerica" bajo el nombre "Alrac" y en febrero de este año lanzó su primer EP "Opalo".


Para mediados de julio Blau Grisenc completa su segundo trabajo titulado "Breton Brut", en el cual están presentes muchos de los elementos que  que de a poco se van convirtiendo en característicos de su producción. En estas nuevas canciones se hace mas evidente la relación entre el sonido y el lenguaje que Carla remarca como esencial en lo compositivo - ''Beton Brut'' trata sobre la nostalgia, el mismo nombre ''hormigon crudo'' en francés. era uno de los materiales principales del estilo brutalista que le da una apariencia austera y nostálgica , y la nostalgia es el apego a algo que no recordamos con exactitud pero esta ahí, eso lo represente en la portada con ese bloque de color sobre el edificio haciendo alusión a ese recuerdo impreciso (también es un pequeño tributo a la portada del compilado ''Warp 10+2: Classics 89-92''), ''Teabass'' es una palabra ''homofona'' inventada por un lugar en CR que se llama ''Tibas'', ''Vainio'' es por Mika Vainio (qepd)" 


La evolución entre el primer EP y este disco es evidente aunque solo estén separados por algunos meses. "Béton Brut" es un disco mas conciso tanto en lo sonoro como en lo ideológico, se nota una intención tanto de orden en las canciones como una intención estética en los nombres y en la portada. Sonoramente los arreglos aquí son mas prístinos y limpios, las canciones tienen un tono mas ligero y un manejo del volumen que logra mantenerse en una franja delicada  que nos permite a los escuchas percibir y disfrutar los detalles a plenitud, ni demasiado fuerte ni demasiado bajo. Esto muestra un avance claro del sonido en términos de producción, algo importante de resaltar ya que Carla se encarga íntegramente de todo el proceso: creación, grabación y producción que aquí están juntos en una excelente sintonía.

 ¿Que representa como mujer hacer lo que haces en un país como Costa Rica?
"Desde la perspectiva de la escena electrónica experimental en CR, dejando de lado proyectos de electroacústica, artpop y rock electrónico de mujeres muy talentosas, considero que visbilizo un espacio con mi propuesta que dialoga con otros proyectos de IDM, noise, glitch, ambient, drone, minimal, post-techno, de los cuales solo son hombres detrás de esos trabajos, potenciando redes o uniones con estos proyectos, a la hora de organizar eventos exclusivamente de electrónica experimental, para exponer nuestros respectivos trabajos de manera inclusiva desde la participación, el apoyo mutuo y las buenas relaciones , sin recurrir a intermediarios como instituciones que gestionen eventos o medios de mayor notoriedad para la difusión , con el fin de mitigar la falta de espacios para los productores experimentales"

Esto logra que el disco no destaque por una pista en especial sino como un trabajo coherente en varios niveles que permite una escucha fácil pero intensa. Carla Alfaro tiene una clara serie de referencias  como artista sin embargo su aprendizaje es imponente y cada vez mas logra desprenderse de esas influencias y encarar su auto-descubrimiento como artista, este disco es prueba de ello y nos hace esperar con ansias que hará después. Exponencialmente su trabajo esta inscrito en un contexto siempre vibrante como el de San José, una ciudad pequeña en comparación con las grandes ciudades de Sudamérica que sin embargo tiene una base de artistas importante que crean nueva música constantemente haciéndolo sin dudas uno de los casos mas interesantes de creación musical en Latino América.

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jueves, 27 de julio de 2017

Première: Verde y Los Caballos a Marte - Capullos

Puede que haya pasado mas tiempo del necesario para que el segundo trabajo de Verde y los Caballos a Marte quedará terminado, En comparación de su EP debut "Gracias por el Viaje", su nuevo disco(que sea dicho de paso se titulará "Música para Sectas") implicó un proceso mas concienzudo de grabación; el segundo paso siempre es mas difícil que el primero y a Alf, Pelu Garcia y Gonxalo Verde (ahora acompañados cada tanto por Nacho Sarka) les costo romper la espontaneidad de sus primeras canciones. Sin embargo en los dos años que separan cada disco la banda se presentó en cada lugar de la ciudad que supo abrirles las puertas, con una propuesta rara (dos o tres guitarras dependiendo la noche y un bombo lenguero en vez de batería) pero con sonidos e historias difíciles de evitar a cualquiera que haya vivido en Buenos Aires.


"Música para Sectas" esta lleno de esas historias, ahora que faltan apenas unos días para su lanzamiento tanto oficial (el viernes 04 de Agosto en Espacio Cultural Dinamo) como virtual y físico a través de Fuego Amigo Discos en CD y por Cincope Records en cassete, compartimos una de esas historias como adelanto/première. "Capullos" es una canción que al menos en lo personal siempre me llamo la atención al escucharla en vivo, tanto por su sonido lento llegando al letargo como por su letra cantada con calma pero  demostrando en ella sentimientos fuertes.

Los invitamos a escuchar desde nuestra cuenta de Youtube y Souncloud esta canción:

Flyer de la presentación de "Música para Sectas"

miércoles, 26 de julio de 2017

Lo-fi Records, una guía básica en 5 discos

Hace unos días arrancamos una serie de entrevistas a sellos del interior de Argentina con el sello cordobes "Lo-Fi Records". Caleb, uno de los integrantes de este proyecto discográfico nos contó sobre la larga historia de este sello y nos dio una mirada a la situación actual de la música undergroud en Córdoba. Le pedimos además para preparar este "Lado B" de la entrevista, seleccionar 5 discos del catalogo de Lo-Fi Records que considera esenciales como guía inicial a su trabajo:


1) ULTRASUAVE – FUGAZ:

"Son 19 canciones hermosas, muy raras y avanzadas para el momento en el que se editó el disco (2001) 100% nostalgia pop. Cuando lo descubrí tenía 16 años y lo escuchaba todo el tiempo, y al día de hoy también."



2) Blasto Fluss – Nuestros Cuerpos: 

"Es la primera edición que hacemos literalmente como sello, con dinero recaudado de la venta de otro disco. Al margen, es un ep alimentado de máquinas de ritmo, bajos con distorsión y mucho espíritu juvenil. Contiene una canción hermosa titulada Chiquita Linda."



3) Clochard – Clochard: 

"Uno de los discos más escuchados y buscados dentro del catálogo del sello. Un disco creado desde la canción pop-folk de letras muy sinceras y paisajes sonoros muy alentadores y amenos."



4) FoneZ – Adhesivo De Contacto Espacial:

"La vedette del sello, las canciones que a todos le gustan, el disco más vendido, nuevas amistades, la salvación del sello. El disco instrumental que sorprendió a muchos."



5)Tenebrista - El Día que Muere: 

"Todavía no está editado en el sello, pero lo acabo de escuchar y está muy bueno. Super Lo-fi, sincero, cancionero. Todo el corazón puesto ahí. Tenebrista es Francisco Muñoz, un joven que se acercó humildemente para ayudarnos en nuestra causa hace ya unos cuantos años"



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martes, 25 de julio de 2017

Index#11: Super45,Mapa Sonoru, Fiorella16, Justine Never Knew the Rules y mas

Una nueva semana y una nueva entrega de Index ha llegado, un viaje/resumen a través de compilados, radios, vídeos estreno y muchas otras cosas que han ido apareciendo en los últimos días, aquí nuestros recomendados:

Vídeo Estreno: Justine Never Knew the Rules-Polar Bear (Hibernation Song)

Este cuarteto brasileño lanzó recientemente el vídeo para el tema inedito "Polar Bear- Hibernation Song". Las imágenes muestran a la banda durante su "Hibernation Tour" por Brasil presentando su disco debut lanzado este año titulado "Overseas", lo curioso de la canción es que no solo capta  a la banda durante sus presentaciones sino también marca en ellos el inicio de un cambio surgido de su experiencia haciendo música y presentándose en vivo en diferentes lugares de su país, la grabación fue hecha por Fabrício Vianna y Marceli Marques,y la edición y dirección estuvo a cargo de  Rafael Augusto, de Lobotomia.



Registro en Vivo: Yapeyú Ensamble, PandelIndio/Subh/MarianoRodriguez/JJCalarco/Pablo Reche

Hace unos días hicimos tres grabaciones de la presentación de PandelIndio, Subh, Mariano Rodriguez, Juan Jose Calarco y Pablo Reche en Yapeyú. Esta fue una fecha especial ya que estos músicos se presentaron en formato ensamble, sumándose de a poco con la música sobre la marcha creando una experiencia irrepetible, les dejamos uno de los Registros hechos en nuestra cuenta de YouTube:


Compilado: Mapa Sonoru: Escuchando El Suelo. #WLD2017

Ante la realidad de una vida poblada de sonidos generar conciencia sobre la contaminación auditiva es un tema de salud mental y física. Sensorialmente la escucha nos permite relacionarnos con el mundo, como nuestros otros sentidos, pero al perder la capacidad de distinguir, escuchar y percibir estos perdemos un terreno importante no solo de nuestra percepción sino de nuestro espacio. Mapa Sonoru es un proyecto español que desde el 2009 busca generar conciencia sobre estas situaciones, este compilado que ha sido lanzado en el marco del World Listening Day #WLD2017 (organizado por el World Listening Project busca " promover la práctica de la escucha, concienciar sobre temas relacionados con la ecología acústica y diseñar iniciativas pedagógicas que exploren este tipo de prácticas." Estas 35 grabaciones recopiladas a través de una convocatoria abierta instaban a los participantes a "“Buscar un lugar por el que te apetezca caminar, orienta tu grabadora hacia el suelo, dale al REC y echa a andar”, el resultado nos muestra la variedad de sonidos que vivimos en el día a día y como estos cambian constantemente dependiendo del lugar y momento:




Single Estreno/Rincon de Experimentos: Fiorella 16- Hebefrenia

Esta semana mezclamos dos items de nuestra sección Index. El nuevo single de Fiorella16 encaja tanto como nuevo single (ha sido lanzado por el netlabel canadiense "Ton Doigt Dans Mon Cul") tanto como parte de nuestro "Rincón de Experimentos" dedicado a los lanzamientos mas experimentales. Esta composición de 15 minutos junta diferentes registros de las presentaciones que el arequipeño Jose Maria Malaga hizo durante el 2016/2017 en lugares como Arica (Chile) Guatemala ( Guatemala) y Arequipa/Puno (Peru), Hebefrenia se relaciona por su sonido con su significado pero también se debate dentro de los climas de ruido mas cálidos y abrasivos. Pronto tendremos noticias de una nueva gira de Fiorella16 por Argentina:



Radio/ Sitio Recomendado: Super 45

Hablar de Super 45 no es solo hablar de un sitio o una radio, sino de una plataforma con mas de 20 años de trayectoria dedicada a promover la música independiente tanto en el territorio chileno como a nivel internacional. Su trabajo esta marcado por una excelente curadoria de trabajo y material que hace de este un sitio clave para conocer tanto artistas nuevos como para  acercarse de manera profunda al trabajo de otros ya consagrados:


Esta es una excelente lista hecha por el sitio brasileño Floga.-se (sitio que siempre recomendamos), la misma es una selección de 50 discos lanzados en el primer semestre del año en el país vecino basados en las diferentes reseñas, notas y recomendaciones que ha hecho este portal. Una buena manera de escuchar los nuevos lanzamientos del underground brasileño ahora y no cuando llegue el fin de año; aquí podrán encontrar muchos favoritos nuestros como: Firefriend o Juna entre muchos otros:


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lunes, 24 de julio de 2017

Referencias: Efraín Rozas, el vacío como experiencia o la búsqueda del misticismo.

Para muchos teóricos la percepción humana ha sido brutal y lentamente alterada durante los últimos siglos, manifestaciones como el cine que hoy en día vemos con normalidad ayudaron a ensanchar nuestra percepción mas allá, tal vez, de nuestra capacidad. Progresivamente este proceso ha ido aumentando logrando crear una realidad alterna basada en pantallas, teclados y espacios virtuales donde nuestra humanidad se confina mas allá de lo real. El mundo online ha acaparado al real y nuestra manera de sentir y percibir ha sido modificada por esta situación; el arte como estado creativo no ha sido ajeno a esta situación (buena o mala como que se le quiera ver), el arte ha sido ya anexado al campo del trabajo y la labor diaria y su espacio batallan con las otras miles de actividades de la vida humana. Sin embargo, ¿Es posible lograr un estado de gracia creativa en medio de la sobre-estimulación de la vida moderna? -¿la mecanización de la creación artística no nos lleva a convertirla en un proceso mecánico y sin sentido?

Foto por Juan Pablo Aragón
He estado escuchando esta composición de Efraín Rozas y reflexionando sobre esas y otras cosas. Sin dudas "I Enjoy the World" se presta mucho para meditar y analizar ciertas situaciones no solo importantes para el que crea sino en general para el que consume. El carácter contemplativo de los sonidos favorece un estado de relajación y esto se ha dado gracias a la manera en que Efraín abordó la composición de este track de 45 minutos. Según él mismo afirma en la información de este lanzamiento ;“I Enjoy The World” es el resultado de un experimento que duró 6 meses, que tuvo como fin replantear mi relación con el misticismo. Una relación abordada no desde el lenguaje de las religiones oficiales, ancestralismos o el new age, sino desde el terreno de lo común y lo cotidiano, con elementos al alcance de cualquier persona. El experimento consistió en el uso de diferentes técnicas: represión/exceso sexual, desconexión/hiperconexión virtual, ayuno/sobreestímulo psicoactivo, como formas de experimentación para crear un misticismo personal. Nació de la necesidad de buscar una salida del mundo virtual que parece estar devorando la realidad."



Con esta premisa Rozas fue construyendo esta composición en la cual, podríamos decir, se analiza a si mismo. Cada sonido viene siendo el resultado de los ya nombrados estados opuestos de relación del artista con el mundo. La búsqueda de Efráin es analizar como bajo esas influencias la creación se ve afectada positiva o negativamente, tratando de buscar un equilibrio, o mejor dicho, un estado creativo lo mas limpio de interferencias. Musicalmente esta larga composición muestra sonidos tanto influenciados por lo tecnológico y electrónico como otros que remiten a lo natural y orgánico. En esto también esta marcada la oposición de estados pero también la larga experiencia de Efraín como artista, su recorrido como investigador y músico ha estado orientado a mezclar las nuevas tecnologías con los ritmos autóctonos latinos.

El trabajo mecánico al que, sin darnos cuenta, nos entrega la vida actual nos lleva a opacar nuestro proceso reflexivo y obtener los mismos resultados siempre. En "I Enjoy the World" este músico peruano explora no solo elementos puramente sonoros sino también artísticos y estéticos, podríamos decir que el eje de este trabajo es como nuestra manera de percibir nos lleva a perder el placer de los estados, es por eso que Efraín propone esos anti-estados como maneras de rescatar nuestra parte mas sensible. De cualquiera manera esa es solo una apreciación, considero este trabajo requiere que hagamos el mismo ejercicio al escucharlo, adentrarnos en él tanto en el silencio como en el ruido y ver que encuentra cada uno.

"I Enjoy de World" ha sido lanzado de manera limitada en Cassete por Buh Records, será presentado íntegramente por Efraín Rozas en vivo como una meditación sonora de 40 minutos. 

domingo, 23 de julio de 2017

Alta Fidelidad, Entrevista con Lo-Fi Records

Hoy comenzamos una serie de entrevistas dirigidas a sellos del interior de la Argentina. Esta serie de entrevistas, que están planeadas para las siguientes semanas, buscan resaltar las diferentes propuestas discográficas mas allá de los limites de Buenos Aires ahondando esencialmente en una problemática cultural de la Argentina: el centralismo que históricamente ha relegado las acciones culturales que se hacen al interior del país. Esta situación que incluso tiene un efecto dominante dentro de los limites de la misma ciudad (la mayoría de medios, lugares, sellos se centran en la ciudad como epicentro y mas allá de los limites, que hace años se rompieron, hay un circuito que es esencialmente ajeno a la ciudad) ha afectado y beneficiado las iniciativas. Si bien hay una carencia de atención y opciones esto ha hecho que muchos circuitos se hagan fuertes en su individualidad sin depender de consagrarse en Capital para ser tomados en cuenta.



Arrancamos con "Lo- fi Records" sello de la ciudad de Córdoba con una historia y marcada por la amistad y pasión musical de la juventud hecha ahora sello. Charlamos con Caleb uno de los personajes tras esta propuesta.

- Siendo Argentina un país con una cultura con una tendencia hacia el centralismo, como es llevar un sello independiente en una ciudad que esta fuera de ese foco central ¿Qué ventajas consideras que tiene? ¿Y cuáles son las desventajas? 

Caleb:  Desde Lo-Fi Records siempre hemos sentido libertad para hacer las cosas sin importar mucho qué pudiese haber fuera o al lado nuestro. Quizás estamos más concentrados en nosotros que en cómo puedan llegar a vernos y/o aceptarnos desde otro lado.  De una forma u otra  hemos dejado que  todo llegue, sin ir a buscar nada. Es el camino más lento pero muchas veces el -seguramente- más efectivo.

- Para quien no los conoce ¿Cómo comenzaron? ¿Cuál fue la motivación para iniciar Lo-fi Records? 

Caleb: A lo-fi lo crearon Juan Pablo Martínez (mi primo), Pablo Quintana y Martín Raposo. Ellos son los 3 Ultrasuave. (banda emblema del sello) Sin ellos no existiría absolutamente nada. Son una fuente de inspiración constante y siempre un gran ejemplo frente a muchas situaciones musicales y otras relacionadas a cómo uno se para frente a estas actividades. Hace más de 20 años decidieron grabarse en una porta estudio Tascam de 4 canales, frustrados después de pasar por un estudio de grabación a donde no consiguieron lo que ellos buscaban. Así es que en una etapa "génesis" lo-fi eran los cassetes de Ultrasuave y los de dos bandas más. De esa forma y hasta el día de hoy, la idea ha sido poder difundir material a como dé lugar pero siempre firmemente convencidos de lo que hacemos.


-¿Cómo está compuesto el equipo de trabajo del sello? ¿Cómo encaran el trabajo del día a día? 

Caleb: El sello está compuesto por un grupo de personas que también son las que componen algunas de las bandas. Todos tienen su aporte. Laura (FoneZ-MCTP) se encarga de las tapas, diseñar afiches, conseguir shows; mientras que con Francisco (Tenebrista) nos dedicamos a difundir, también conseguir espacios y por otro lado con Cebolla (FoneZ) nos ponemos a ver cuestiones técnicas de grabación y vemos en qué nos podemos dar una mano. Somos un tanto poco prolijos, hacemos lo mejor que podemos. No hay roles 100% definidos, no tenemos una estructura. Ya no sucede-tanto- pero al principio nos reíamos porque las reuniones del sello eran una excusa para juntarse a comer asados y tomar mucha cerveza. La gloria.


- Uno de los lados fuertes de Lo- Fi records son sus compilados (5 entregas si no me equivoco) y los tributos a artistas como Galaxie 500 o José Luis Perales, ¿qué buscan transmitir en estos recopilatorios y tributos? 

Caleb: En lo que va de la historia del sello hemos hecho 3 tributos: uno a Perales, uno a la banda inglesa Felt y el último a Galaxie 500 del neo zelandés Deam Wareham. Estas ediciones han sido otra de esas cosas que hacemos por diversión y porque nos gustan mucho esos artistas. Muchos de nosotros tenemos sus discos, sabemos de sus historias, nos gustan e identifican sus letras. Básicamente es una cuestión de afinidad y gusto.
Por otro lado la edición de los compilados es un poco la historia de cómo decidimos retomar la idea de sello allá por el 2009 o algo así. Juntamos un par de artistas que no se animaban a mostrarse o no tenían la posibilidad ni sabían cómo. Es una experiencia sumamente gratificante y lo hicimos durante 5 oportunidades, una mejor que la otra, con sus respectivas presentaciones en vivo. Como decía anteriormente, no tenemos mucha planificación de actividades. tenemos un ritmo perezoso pero –muchas veces- constante. Sacamos un disco, vamos a las ferias a intentar venderlo, lo presentamos y vemos en qué nos podemos ayudar el uno con el otro. Lo que vaya surgiendo lo agarramos y tratamos de sacar adelante algo bueno de eso.


-Si no me equivoco Uds. como Lo-fi records representan un grupo de músicos y bandas. consideran que es fácil compaginar el trabajo estrictamente musical y las labores del sello o piensan que hace falta una tercer figura:

Caleb :   Lo dije  varias veces en la entrevista: somos desorganizados pero es lo que viene saliendo hasta el momento y aun así nos da logros. Sería más fácil que alguien haga todo por nosotros sin embargo creo que tiene más valor darnos una mano entre todos, sea como sea. Es más genuino.




-¿Cómo es Córdoba como escenario musical para la escena independiente?

Caleb: El tema de la escena musical cordobesa es algo un tanto complicado porque creo que juegan las apreciaciones personales. Así que todo lo que te diga es lo que estrictamente pienso yo, una de tantas otras aristas. Acá, en Córdoba, existen sólo un par de lugares fuertes a donde poder mostrar lo que uno hace de manera amena, con buenos tratos económicos, sonido, etc. Muchas veces hemos sido nosotros mismos quienes organizamos los shows en casas, cumpliendo con las tareas de un local por el simple hecho de poder mostrar nuestros discos.

La radio no da mucha ayuda y algunos hasta dicen que te están haciendo un favor. A veces algunos grupos pagan para ser difundidos. Sólo los que van más allá de un  compromiso  con su labor te ayudan de la mejor manera. Es el caso de Augusto Ochoa quien está involucrado en la difusión de bandas desde hace más de diez años pasando por muchos espacios radiales.  O el caso de Diego Quiroga, un gran aficionado a la colección de material cordobés y también a la difusión del mismo.
La escena de música cordobesa es un terreno a veces poco amable.  No todos pero sí algunos parecieran estar compitiendo o intentando llegar a una meta, pegarla o algo así. No muchas veces existe una cuestión de amistad y de querer que el otro prolifere. Sin embargo a lo largo de todos estos años he conocido gente muy hermosa que ha ayudado y difundido y colaborado con lo que uno hace.
Durante mucho tiempo se ha pensado que Córdoba –a nivel estrictamente musical- tiene que moverse en bloque y demostrarle al resto del país que  estar en el centro no significa ser menos. Estar en un lugar u otro del país puede que ayude a definir la manera de concebir música, los intereses y demás pero podés tener buenas canciones y ser de cualquier parte. Eso importa: la canción.
   Cada sello o grupo tiene  intereses propios y está bien que así sea. Yo veo que estos hacen lo que pueden para existir al lado de sus compañeros. Cada uno con lo suyo y todo bien con todos.  Es mejor ocuparse  de la escena personal de cada uno y listo. Existe gente con la que compartimos mucho, como los Fuego Amigo Discos, o Polvo bureau. Ellos son buena gente, siempre nos alientan y cada vez que podemos estamos viendo de estar en contacto y sea como sea ayudarnos.

PUEDEN CONOCER MAS SOBRE LO-FI RECORDS A TRAVÉS DE FACEBOOK Y BANDCAMP, EN PRÓXIMOS DÍAS PUBLICAREMOS EL LADO B DE ESTA ENTREVISTA: UNA GUÍA INICIAL EN 5 DISCOS A LO-FI RECORDS.

jueves, 20 de julio de 2017

Encontrarnos mientras escapamos, La Suma de Todos los tiempos y su tercer disco " El Futuro para Siempre"

La Suma De Todos los Tiempos se acerca a su primera década como banda, su formación actual  ha sido constante durante al menos 5 años y ha dejado en total tres discos que atestiguan su evolución y búsqueda musical. Cada uno merece ser analizado por separado ya que cada uno representa un escalón en algo que como conjunto han estado, tal vez sin pensarlo, construyendo. Su disco de homónimo del 2012 los encontró saliendo de la adolescencia enfrascados en el ideal de tocar y grabar sin aun saberlo hacerlo bien, el resultado es evidente a eso, las canciones eran crudas y desprolijas en lo sonoro pero anunciaban ya esa devoción hacia la distorsión de las guitarras y las letras callejeras de canciones como "A Franz" o "Septiembre Primavera". Antes de eso tuvieron muchos nombres y dejaron un EP Maqueta perdido que mucho ya no nombran (pero que para el curioso se puede bajar en una nota que hicimos en el 2011 cuando los escuchamos por primera vez). La ultima canción de ese debut anunciaba el segundo disco, tras unas breves lineas todos juntos como banda se enfrascaban en un extenso e intenso cierre instrumental.

La formación actual de LSDTLT: Diego Litwiller, Fernando Turenne, Jose D'Agostino y Enrique Gil Navarro-

Para Grandes Distancias la banda busco lograr un sonido mas profesional, grabaron íntegramente entre Estudios Ion y La Molloko Vellocet y relegaron el trabajo de grabación, mezcla y masterización para enfocarse puramente en tocar. El germen inicial de su sonido tomó ahí otras dimensiones, donde el detalle amplia las gamas de ruido dejándonos ver un cuadro mas claro de su sonido. Tal vez faltaba afinar aún algunos detalles pero claramente estaban encaminados. Este año con el lanzamiento de "El Futuro para Siempre" la suma ha concretado muchas de sus ambiciones musicales, es difícil no ver este disco como un producto de ellos mismos y del tiempo que han estado haciendo música.


En cuestiones técnicas el haber trabajado íntegramente con Estanislao Lopez como Ingeniero de grabación les permitió enfocarse directamente en la ejecución de los temas y dejar toda la parte de la producción a un profesional que no solo conoce bien del tema sino que supo entender sus intenciones sonoras (no sobra decir que Estanislao ha trabajado con bandas que podríamos considerar afines a la suma como Niños del Parque, Trementina o Asalto al Parque Zoológico). El resultado se hace obvio desde el primer tema "El comienzo", si afinamos la escucha vamos a percibir múltiples detalles de fondo (ruidos, teclados, guitarras) que se suman a la base rítmica del grupo. Consistentemente las siguientes canciones no solo mantendrán esa atención al detalle sino mostrarán una tendencia hacia la concreción, las canciones mas directas como "A donde lleguemos", "Los Pibes" o "El Camino" llegan apenas a los tres minutos de duración pero logran de manera efectiva liberar toda su energía en ese tiempo sin economizar detalles. Donde en "Grandes Distancias" la banda se extendía y creaba ambientes densos y pesados aquí optan por lo minucioso y directo. Esto va a cambiar el "animo" del disco ya que sin dudas este es un trabajo mas alegre que nos remite a lugares y situaciones de la vida en Buenos Aires (el parque, el verano, los viajes eternos en tren).


El Futuro para Siempre es un disco que gira alrededor de la simpleza, no solo musical sino lírica, La Suma de Todos los Tiempos ha sabido encontrar en la vida del día a día algo trascendente. Viendo como un todo su discografia es clara su evolución intuitiva y por momentos descuidada, este conjunto de Parque Patricios ha sabido persistir a su manera, encarando sus canciones con la misma honestidad y ambición de los 18 años ahora vista desde los años de intentar, equivocarse y acertar. Una deuda largamente saldada este año para la banda es haber lanzado también su primer vídeo oficial que salio una semana antes del lanzamiento del disco, el tema escogido fue "En el Parque" su  momento mas psicodelico y espacial hasta la fecha, el clip le hace honor a esto justamente mostrando una serie de secuencias en colores vivos.

Entre un mar de propuestas y "nuevas escenas" en Argentina, la suma ha sido uno de los pocos nombres que se ha sabido mantener constante y en cambio franco, el periodo de tiempo que han surcado como banda ha visto aparecer y desaparecer a muchos; acercándose a su primera década de existencia y con tres discos impecables como respaldo  se han transformado en una banda imprescindible.

La presentación de "El Futuro para Siempre" será el próximo 29 de Julio en Niceto Lado B junto a Riel y Cabeza Flotante, esa misma noche estará disponible en CD este nuevo disco lanzado por el gran sello Casa del Puente Discos.

martes, 18 de julio de 2017

Index#10: Trancisión Sonora, Ison Spectra, Revista Vacio, Flash Amazonas, Coloresantos y Cosmovisión Registros.

Llegamos a la décima entrega de Index y como todas las semanas hemos hecho una selección de recomendaciones variadas que reflejan las cosas que hemos estado escuchando, leyendo y revisando en los últimos días:


Radio: Transición Sonora (Colombia)

Una de las extensiones del colectivo/sello colombiano The Burros Discos es este programa radial que se emite todos los sábados por la señal de Un.Radio. Este programa radial se enfoca en promover y hablar de música y movimientos culturales independientes de distintos lugares del globo pero especialmente de latino américa. Han hecho especiales sobre bandas como Rakta, Culmine, Berlina, así como otros enfocados a la electrónica o compilados como Burrocracia. Su dos programas mas recientes por ejemplo estuvieron enfocados a revisar algunos lanzamientos del  Subterráneo Colombiano, buena parte de ellos se pueden escuchar en Mixcloud o desde la pagina de la Universidad Nacional:




 Vídeo Estreno: Ison Spectra (Vídeo Oficial)

Ahora en formato banda Ison Spectra el proyecto argentino comandado por  Alejandro Martinez ha lanzado el vídeo oficial para "Te Fuiste" una de las canciones que viene presentando desde el año pasado. Este vídeo sigue de manera dramática y en colores vivos las situaciones descritas en esta melancólica canción. Ison Spectra estará presentando este nuevo vídeo este miércoles en Espacio Korova:


Tema: Flash Amazonas- Phantasmagoria

Tras el lanzamiento en octubre del 2016 de su EP "Nixón en la Playa"(disponible en una bella edición de 7") Julian Mayorga ha estado absorto en una serie de colaboraciones abiertas de las cuales han ido surgiendo algunas canciones. Flash Amazonas es uno de esos proyectos el cual se gestó durante el Red Bull Music Academy del 2016 en el cual  el músico colombiano y el japones Riota Miyake (CRYSTAL/SPARROWS) dieron vida a esta amalgama de sonidos y visiones culturales con un aire nostálgico donde las lineas de los países se borran. Esta canción esta disponible también en Bandcamp y además hace parte de "Various Assets – Not For Sale 2016" una interesante compilación de tracks grabados por distintos artistas participantes del Red Bull Music Academy del año pasado coincidiendo con el anuncio de su próxima edición en Berlin.


➣Registro en Vivo: Coloresantos en vivo en Perrera TV

Siempre nos gusta recomendar algún registro en vivo todas las semanas. Este es un campo en el que constantemente hay material nuevo tanto profesionalmente (grabaciones en estudio, sesiones) así como de manera mas amateur (grabaciones en vivo, conciertos). Hace poco apareció esta sesión en vivo hecha por Perrera TV  de la banda Coloresantos tocando uno de los temas estrella de su álbum debut "Tercer Paisaje, una grabación y ejecución de gran calidad que recomendamos mucho ver. Para leer la reseña que hicimos hace un tiempo sobre el disco debut de esta banda chilena click aquí.


➣ Sitio recomendado: Revista Vacio (Costa Rica)

Revista Vacio es un proyecto costarricense que cuenta con diferentes colaboradores en ese país y otros de latino américa, con una linea temática y editorial muy bien cuidada este es un sitio donde encontrar notas no solo sobre música sino también sobre cultura, ciencia y genero. Otros proyectos hechos por este portal como "Martes de Micro" donde  un artista visual interpreta una composición de un artista nos muestran que su búsqueda es generar contenido de calidad, algo que hoy por hoy esta mas en declive; pueden seguirlos en Facebook y leer sus publicaciones en su web:


Sello: Cosmovision Registros Andinos (Chile)

Hay sellos nuevos apareciendo constantemente y esto es claramente una alegría.  Para nosotros siempre es importante seguir estos nuevos proyectos para seguir conociendo ediciones y artistas. Esta semana recomendamos Cosmovisión Registros una subdivisión del sello chileno Etcs Records enfocada principalmente en el cassete. Sus dos primeras ediciones no podrían ser mejores: el disco 
"La Automatic Flight Control System" de A Full Cosmic Sound (2015) y la también re-edición de "Myspace Virtual Days" del colectivo de improvisación psicodelica La Banda´s. Proximamente estarán lanzando Remnant Kings de Mark Vernon:

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lunes, 17 de julio de 2017

Entrevista: Ronald Sanchez y Fred Clarke

Hace pocos días presentamos: "Ofrenda, Sonidos de Nasca" el disco colaborativo entre Ronald Sanchez y Fred Clarke preparado para la muestra Nasca del MALI (Museo de Arte de Lima). Esta es la más grande exposición dedicada a esta fascinante y enigmática cultura prehispánica y este soundtrack es también un trabajo cuidadoso que nos lleva a conocer los sonidos de esta cultura a través de las creaciones sonoras de Ronald y Fred, quienes usaron replicas y instrumentos de la época para lograr de la manera más fidedigna el sonido de este pueblo pre-hispánico. Como es obvio este trabajo tiene un contexto previo muy interesante, es por eso que previa a la nota que sacamos hace unos días ("Fred Clarke y Ronald Sanchez rescatan el sonido pre-hispanico en "Ofrenda" Sonidos de Nasca") intercambiamos algunas preguntas con ambos músicos que dejamos completas aquí a modo de entrevista:


-Entiendo este trabajo fue hecho por ti y Fred Clarke, ¿Cómo les fue comisionado este proyecto? ¿Hubo algún proceso de investigación previo a la grabación?


Ronald: Con Fred Clarke veníamos trabajando con objetos sonoros prehispánicos, logrando sonorizar, registrar, logrando hacer un registro de los cuales ya habíamos trabajado con quenas, trompetas y antaras de Caral, de la Cultura Lima y hablamos logrado orquestar cantos y narraciones de la etnia Sapara de Ecuardor, este trabajo previo nos dio la oportunidad de afrontar este nuevo proyecto llamado Nasca. En paralelo ambos habíamos tenido experiencias previas con las replicas de las antaras de cerámica Nasca, tal es así, que Fred cuenta con una colección de replicas de diversas antaras, tambores y otros objetos sonoros de la zona.


-Me gustaría cuentes un poco sobre los instrumentos que fueron usados para preparar estas grabaciones, tengo entendido muchos de ellos tienen la particularidad de ser instrumentos originales de la muestra que ahora tiene lugar en el Mali

Ronald: En esta producción musical se han registrado sonidos de antaras, quenas, tambores, silbatos, sonajas y otros instrumentos musicales que fueron utilizados durante tiempos prehispánicos. Entre ellos, cuatro instrumentos de vientos originales que forman parte de la exhibición.

¿La idea de este disco ha sido replicar los sonidos de la cultura Nasca o crear una aproximación moderna de esta?

Ronald: El trabajo tuvo como objetivo desde el inicio crear una ambientación sonora con los objetos musicales de la colección del museo que es parte de la idea museografica y de la idea cuarterola, esa fue nuestra partitura para ubicar los sonidos como una experiencia expositiva, y luego con el material que logramos compilar se perfilo en formato de un disco a manera de soundtrack. La aproximación sonora ha sido desde el inicio lograr que los instrumentos expresen esta sonoridad compleja que es la escala Nasca.


-Buena parte de tu trabajo ha estado enfocado a exaltar los sonidos ancestrales, aunque las razones resulten obvias, ¿por qué consideras importante recuperar y lograr que estas tradiciones artísticas y culturales no caigan en el olvido?

Ronald: El Perú y su mundo prehispánico tiene la peculiaridad de ser un libro aún no escrito en el cual es posible conectarse con diversos elementos y cosmovisiones, la costa, la sierra y la selva son lenguajes potentes que han susurrado en el imaginario de los pobladores antiguos y actuales. Yo sigo siendo parte de esa vorágine, de esa canalización donde la tierra se expresa en diversas formas, sonoras, pictóricas, antropomorfas, dogmáticas donde la vida y la muerte coexisten en un mismo espacio. Creo que mi tradición no es el recuperar, ni de preservar, si no, manifestar en el presente continuo.


-¿Por qué crees que una exposición como Nasca debe ir acompañado de un “soundtrack”?


Ronald: Por su propia Cosmovision al acercarnos al universo Nasca dotada de varias miradas antropológicas , etnograficas y todo el conocimiento que este muestra implica. Sentimos la necesidad de contar la experiencia con el sonido de dotar al publico de este encuentre con el pasado a través del Sonido.

Fred: Si te sumerges en la cultura Nasca es evidente que la música y el sonido fueron parte fundamental en su cosmovisión. Se han encontrado muchos tambores y una serie de antaras, hechas bajo un criterio muy complejo donde se revela que la música tenía un sentido sagrado y muy importante en sus ceremonias, como lo es esta exposición, y se ameritaba una presencia musical Nasca claramente.

-¿Qué representa o de qué se trata el tema que está en el teaser?

Ronald: El proceso sonoro tubo una mirada Museografica de conectar el instrumento la cosmovision y la mirada de los curadores a esto logramos que las sonoridades contengan ese vinculo es espiral.

Fred: Son dos temas musicales, los cuales iniciaron el proceso de sonorización museográfica de la muestra y la creación del disco posteriormente. Tal vez sean los temas más emblemáticos de la muestra y del disco. Expresan el espiral y la escalera, el espacio y tiempo, la ofrenda y el ritual, el entrelazado y la expansión.

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domingo, 16 de julio de 2017

Color Horror, el sonido que fue creciendo: "Mas alto que el Sol"

Cuando se suele hablar de "escenas" o movimientos musicales se tiende a generalizar, se hace mas fácil verlo como un fenómeno generalizado que entrar a ver los pequeños detalles y situaciones. En el caso de Uruguay siempre se ha hablado de una escena musical fuerte (y ciertamente dispersa) pero nutrida por pocos personajes, algo resultante de una capital pequeña y con pocos habitantes donde sin embargo la actividad musical siempre ha sido constante. Desde hace un tiempo para acá 
(dependiendo de como queramos verlo podemos hablar de años así como de meses) se ha notado un giro en los sonidos hechos en Uruguay; la aparición de proyectos como Las Cobras, Color Horror,  Trópico Duclos o Cadaver Exquisito ha llevado a muchos medios a hablar de una nueva escena uruguaya mas avocada a la psicodelia y el noise rock, sonidos que si bien no son ajenos a la producción local han tenido un merecido eco con lanzamientos como "Temporal" de los ya nombrados Las Cobras.



Hace poco "Cazar Truenos" hizo un interesante especial a propósito de esto titulado "Nueva psicodelia Uruguaya" revisando justamente bandas y lanzamientos que han ido apareciendo durante este año y los anteriores de la mano de otros proyectos como Mountain Castles, Adam Yeti, Los Nuevos Creyentes, Holocausto Vegetal, Sr La Muerte, o Hijo Agrio. ¿Se puede hablar de una escena? en lo personal me desencanto cada vez mas con el termino por su tendencia a romantizar  la situación; por otro lado creo que categorizar estos nuevos sonidos como escena no nos permite, como decía hace unas lineas, ver lo particular y mas interesante. Hace pocos días salio el disco debut de Color Horror cuartero oriundo de la ciudad de Canelones en Uruguay formado por Diego (Batería) Joey ( Guitarra y voz)  Darío  (Bajo y voz) Leandro. Antecedido por un single de dos temas hace un año este disco es otro documento fehaciente de un buen momento para la música uruguaya que viene precedido por algunos puntos en común interesantes.




El primero posiblemente sea Ufesas, no solo por venir de la misma ciudad sino por haber sido el germen que comenzó todo. Solo hace falta repasar los integrantes de cada banda ( tanto los hermanos Diego y Joey Mercadal como Leandro Rebellato participaron de ambas agrupaciones) para notar que guardando cierta distancia Color Horror es una continuación de esa idea e intención. En "Mas Alto que el Sol" la formación se completa con Dario Macarin en bajo/voz manteniendo el formato cuarteto apoyado en la multiplicidad de las voces y la base clásica a dos guitarras/bajo/batería. El segundo punto en común es  las limitaciones, Uruguay es un país pequeño donde incluso en la capital Montevideo, las opciones para llevar adelante cuestiones como recitales o lugares de grabación son escasas. Esto hizo que esta generación reciente de músicos haya optado, a falta de espacios de grabación, por grabar en casa ( tanto el único LP de Ufesas como este primer disco de Color Horror aparecen acreditados como grabado en el garage) sacando provecho de todo lo que esto permite no solo en términos de sonido sino de tiempo y ventajas económicas. No sobra remarcar como tercer punto que a falta de gente (este nuevo auge del sonido psicodelico en Uruguay podría recaer en no mas de 15 personajes), mucha de esta música se basa en la colaboración constante. Muchos proyectos comparten integrantes y las colaboraciones espontáneas y fijas son comunes. Los músicos van mutando sus proyectos creando así una linea genealógica que es muy importante ver en contexto.



Personalmente "Mas Alto que el Sol" me parece un disco importante no solo por todo esas lineas temporales y musicales que traza sino por confirmar un momento saludable que si bien a primera escucha resulta sorprendente o inesperado, viéndolo minuciosamente  resulta el claro efecto de varios años de trabajo y experiencias previas. Ese microcosmos musical de muchachos de veintitantos años creció y ahora con todo lo aprendido están tratando de sacudir su país con su música. Las nueve canciones del primer disco de Color Horror dejan claro ese momento, su sonido no tiene nada que envidiarle a ningún disco hecho en Europa y la calidad de grabación es la misma que cualquier trabajo hecho en estudio. En lo musical estas canciones suenan potentes y concisas, saben aprovechar los despegues lentos (ej No Vamos a Ir o Luces Negras) pero también tienen esas otras pesadas y densas para contrarrestarlo (especialmente en You got some nerves o Better Run). Alternando entre el español y el ingles y entre el ritmo y la densidad el debut de estos uruguayos es un disco que resume muy bien su recorrido y aprendizaje musical todos estos años.

Mas que una escena esta es una renovación. Este auge de lanzamientos viene apoyado por años de previa que van juntando ya un buen numero de discos interesantes el de Color Horror se suma a la lista no como uno mas sino como un trabajo importante para entender ese movimiento. Uruguay será un país pequeño  pero de gente inquieta.


jueves, 13 de julio de 2017

Fred Clarke y Ronald Sanchez rescatan el sonido pre-hispanico en "Ofrenda" Sonidos de Nasca

El ser humano moderno pocas veces mira hacia el pasado mas allá de si mismo. Nuestra historia se construye de una manera, un poco egoísta, con nosotros como punto de referencia central; son pocos los que se atreven a ver mas allá de si mismos, son pocos los que tratan de encontrarse en las culturas ancestrales que forjaron nuestro presente. ¿Hace falta hacerlo? ¿Por qué revisar y revivir esas voces?.
"El Perú y su mundo prehispánico- comenta Ronald Sanchez- tiene la peculiaridad de ser un libro aún no escrito en el cual es posible conectarse con diversos elementos y cosmovisiones, la costa, la sierra y la selva son lenguajes potentes que han susurrado en el imaginario de los pobladores antiguos y actuales." 



Ronald ha sido uno de los personajes que a través de su proyecto musical Altiplano se ha preocupado por rescatar esa historia y sonidos ancestrales que guarda el Perú. Inicialmente conocimos de Altiplano en el 2012 gracias a su disco Caral (inspirado en la civilización ancestral del mismo nombre); cada uno de los trabajos que ha lanzado este proyecto han estado guiados por un afán de rescate enmarcado casi siempre en marcos institucionales. Es ese el caso de "Ofrenda" un disco grabado junto a Fred Clarke y comisionado por el MALI (Museo de Arte de Lima) para la muestra "Nasca", la más grande exposición dedicada a esta fascinante y enigmática cultura prehispánica. "Con Fred Clarke veníamos trabajando con objetos sonoros prehispánicos, logrando sonorizar, registrar, logrando hacer un registro de los cuales ya habíamos trabajado con quenas, trompetas y antaras de Caral, de la Cultura Lima y hablamos logrado orquestar cantos y narraciones de la etnia Sapara de Ecuador, este trabajo previo nos dio la oportunidad de afrontar este nuevo proyecto"



Pero ¿a qué suena "Nasca"?, a qué suena un trabajo que se adentra en los confines de una cultura milenaria de una manera tan difícil como el sonido. Ya que es fácil replicar el arte pictórico o la arquitectura cuando tenemos aún huellas, pero en el caso de la música sin tener un registro sonoro fehaciente la tarea se vuelve compleja. El éxito de este disco esta basado, creo yo, en dos cuestiones: la primera es el material, Ronald y Fred, como comentaban lineas arriba, han trabajado en conocer y recolectar objetos sonoros prehispánicos, haciéndose de ese modo con una vía de conexión con los mismos instrumentos que los Nascas usaron; el segundo punto clave sería los personajes, tanto Ronald Sanchez como Fred Clarke han sido grandes cultores y exploradores de los sonidos ancestrales del Perú, su interés no ha venido por motivaciones económicas sino puramente espirituales haciéndolos naves de un sonido olvidado.


Entonces, no es coincidencial notar que este disco esta forjado por un dialogo entre épocas y culturas, pero esencialmente entre objetos y personas. El objeto representa la manera en que la cultura sobrevive al tiempo, en este caso el sonido, y con él la percepción del mundo de los Nascas, queda guardada en su configuración; a la persona le toca ahora descifrarlo, verlo no con los ojos de la modernidad sino encarnando un espíritu ancestral. Ese momento que bien esta descrito en muchas teorías estéticas es el momento donde el espíritu se muestra frente al arte. Ronald lo pone bien claro en perspectiva "Yo sigo siendo parte de esa vorágine, de esa canalización donde la tierra se expresa en diversas formas, sonoras, pictóricas, antropomorfas, dogmáticas donde la vida y la muerte coexisten en un mismo espacio. Creo que mi tradición no es el recuperar, ni de preservar, si no, manifestar en el presente continuo." 
La muestra que se ha preparado, y alrededor de la cual se ha creado este "soundtrack", busca no solo poner en vitrina lo Nasca, la intención principal es conectar a los visitantes con su sentido humano y espiritual superviviente tanto en sus esculturas como en su música. La idea ha sido poner en escena el sentido ritualista de esta cultura, como bien lo comenta  Fred Clarke: -"Si te sumerges en la cultura Nasca es evidente que la música y el sonido fueron parte fundamental en su cosmovisión. Se han encontrado muchos tambores y una serie de antaras, hechas bajo un criterio muy complejo donde se revela que la música tenía un sentido sagrado y muy importante en sus ceremonias, como lo es esta exposición, y se ameritaba una presencia musical Nasca claramente." 

Al escuchar este trabajo tenemos una oportunidad única de transportarnos; si bien "Ofrenda" es un disco que mira hacia el pasado es de ese modo que cobra su estatus de eternidad. Resulta curioso, sin embargo, que el disco haya sido lanzado en un formato como el código de descarga (los asistentes al museo pueden adquirirlo comprando un código para descargarlo), esto mezcla de una manera curiosa el sonido perdido de esta cultura, recuperado por Fred Clarke y Ronald Sanchez,  perpetuado a través del código digital permitiendo reproducirlo infinitamente. Tal vez pierda así un poco su misticismo, pero es también la única manera en que esta historia (la historia de toda una cultura ) queda fijada en nuestra memoria. Es nuestro deber conocerla, escucharla.


La muestra "Nasca" estará abierta al público desde el 21 de junio hasta el 1° de octubre de 2017 en las salas temporales 1, 2, 3 y 4 del MALI. En la misma se podrá adquirir este trabajo el cual también se puede conseguir a través de Bandcamp.

miércoles, 12 de julio de 2017

Filipina Bitch, la voluntad de lo deforme.

El año pasado tuve el gusto de ver en vivo a Filipína Bitch durante su paso por Buenos Aires. Fue mi primer acercamiento a su música y resultó una gran experiencia, hay muchos aspectos de su sonidos que se ven mejor  ejemplificados arriba del escenario, especialmente ese sentimiento de catarsis que en vivo cobra un sentido mucho mas vivido y fuerte. Los orígenes de este conjunto chileno son de larga data, si no me equivoco la primera encarnación (en ese entonces como Philipina Bitch) se remonta a los albores de los 2000s en la ciudad de Concepción con otra formación y otro sonido; de esa época quedó el disco “Té, papaya y completos” del 2007 (que se puede escuchar en Bandcamp  y que nos muestra una banda podríamos decir totalmente distinta a la actual). En el 2013 la banda tomó un nuevo aire con una nueva formación y un pequeño giro en su nombre, respirando ese nuevo aire la han ido lanzando música y presentándose en vivo llegando justamente este año a un nuevo disco titulado "Animales del Espanto" ( lanzado por el sello Algo Records.)


Animales del Espanto es un disco que resuena por su tono no solo personal sino humano. Las letras no hablan directamente de temas puntuales sino se refieren a cuestiones existencialistas que de cualquier modo logran calar en el escucha como lugares conocidos. Varias de estas canciones llevan tiempo siendo parte del repertorio de la banda y buscando su forma a través de ensayos y grabaciones caseras. "Funerales Universales" y "Ahora, queriendo Avanzar" ya hacían parte en el 2015 de su maqueta "Sorpresa es Soledad", lo que nos deja ver que como tal este disco es parte de un proceso de búsqueda tanto sonora como de una construcción de identidad; esto fue muy bien definido por la banda  en el texto que acompaña el lanzamiento "Es un trabajo sonoro que no sucumbe ante las clasificaciones contemporáneas mientras se sostiene con ambos brazos a la esperanza de un presente libre, es el disco de una banda que venció la muerte con la simple idea de querer hacer. De quererse y de querer"



Ahora queriendo Avanzar fue uno de los primeros adelantos de este disco lanzado con dos versiones distintas en vídeo.

Además de mostrar ese proceso personal, este trabajo abordó la grabación de una manera mas profesional y concienzuda,  inicialmente la grabación fue hecha en el Estudio A de Algo Records junto a Felipe Ruiz y Ismael Palma para posteriormente ser mezclado  por Felipe Castro y Felipe Ruz en Estudio del sur con masterización a cargo de Francisco Holzmann en Clio Mastering. Todo esto encaminó la banda a lograr un sonido cuidado aunque sin tocar esa dinámica insolente y desenvuelta, una voluntad deforme que se manifiesta vivamente en canciones como "Mugre" donde el sonido surge abrupto, violento pero humano. Ese espíritu esta presente durante todas las canciones ya sea que se cobijen en lo volátil y directo (especialmente las dos últimas canciones "Asco" y "Egoísta" exploran ese lado) o en secuencias construidas de manera mas reflexiva y lenta como en "Tundra Luna" o "Animales del Espanto".



Sea como sea y mas allá de las definiciones y categorizaciones que se puedan buscar "Animales del Espanto" es un disco con una fuerza y un espíritu intensos, sus canciones han ido buscando su propia forma como esos arboles que en plena ciudad sacan sus raíces fuera de la tierra hacia el asfalto. Intentar encuadrarlo en algún género seria un ejercicio de caracterización inútil, es claro que estos cuatro personajes se han alimentado de muchas cosas (musicales y no musicales) pero su intención no es reproducir un modelo sino  hacer un análisis de la realidad humana y propia, en ellos prima el sentimiento como reacción a la realidad.


Actualmente Filipina Bitch esta compuesto por Felipe Ruz (guitarra y voz), Marcos Muñoz (guitarray voz), Matías Cena (bajo y voz) y Jorge Quelempán (batería y coros). Este sábado 15 de Julio estarán presetando este nuevo disco oficialmente junto a Columpios al Suelo, Inmontauk y Terminal.